SANTA ANA RECUPERA UNA ESTAMPA ANTIGUA

Desde hoy viernes 12 de mayo y hasta el domingo de Pentecostés, se podrá volver a contemplar una bella estampa de Santa Ana con la toca puesta. Esta tradición se realizaba en los años 60 del siglo pasado y se le colocaba una mantilla de tres picos. Ahora, se recupera esta tradición para ocasiones puntuales. La Hermandad agradece a los hermanos Miguel y Jesús Borrego por el asesoramiento para llevar a cabo este proyecto. 

Fotografías e información: Hermandad de Santa Ana

LA PAZ, DE LUTO

En mes de noviembre ha comenzado en la Hermandad del Dulce Nombre con su Virgen vestida de luto. María Santísima de la Paz ha sido ataviada por primera vez de negro con motivo de la conmemoración de Todos los Fieles Difuntos. 

La Virgen, paloma blanca del Miércoles Santo estepeño, aúna el sufrimiento de estos años de enfermedades y de la guerra que el nuevo año aguardaba a la vuelta del pasado mes de febrero. Asistimos sobrecogidos a la destrucción de un país, a la barbarie en sus pueblos y a la agonía de las personas que lo habitan, obligadas a huir de su tierra o a resistir a las bombas que destruyen sus casas y su forma de vida. Es verdad que no es la única, que su manto negro también se extiende en la catástrofe del sueño incumplido en el Mar Mediterráneo, en las guerras entre hermanos de Oriente Medio y África o en las vallas que separaran una misma tierra con nombres diferentes cerca de nuestro estrecho o en América Central. Está en el hambre de los niños y en la desesperación de las madres que no tienen con qué alimentarlos, en los cuerpos inertes que aparecen por la maldad del hombre ante acuerdos incumplidos de drogas, situaciones de abuso y prostitución, y en la defendida muerte en nombre de un dios malentendido y desconocido que quita la vida en lugar de darla. Aquí nace un lirio blanco que se torna negro en este mes en su recuerdo. 

La belleza de la Virgen de la Paz se deshace en lágrimas de amor ante el mundo que sus hijos rompen en pedazos. En su manto oscuro está el polvo de la caída de los edificios que destruyen un misil. En su saya el último abrazo de un padre a su hijo que agoniza en los pasillos de una improvisada enfermería. En su pelo la arena en la que se desentierra un amigo desaparecido. Y en sus ojos el reflejo del fuego que provoca la angustia del que ve sufrir a un ser querido. Bien sabe ella de sufrimiento, dolor y agonía. 

Desde su pequeña hornacina de su iglesia, la Virgen de la Paz comparte el pañuelo blanco para tus lágrimas y ofrece su rosario para escuchar tus rezos. No está sólo aquí, también le rezan en una casa de Ucrania a la luz de una vela. Seguro que tiene otro nombre, quizás en un lienzo, una estampa o una medalla, pero ella está ahí. Hoy más que nunca, Ella es la Virgen de la Paz, vestida de impoluto luto negro por las manos de Salcedo y a la que imploramos que nos conceda la gracia de su intercesión. 

Nota: Nuestra Señora María Santísima de la Paz ha sido ataviada por primera vez de luto con manto y saya negra con motivo de la conmemoración de Todos los Fieles Difuntos. Estrena para la ocasión saya en seda brocada color negro y manto de terciopelo del mismo color. Todo el conjunto ha sido confeccionado en el taller de bordados de Joaquín Salcedo Canca. 

Fotografías: Hermandad del Dulce Nombre de Jesús

LA ICONOGRAFÍA DE LA VIRGEN DEL CARMEN

Virgen del Carmen de Estepa, julio de 2022

Cuando llegan estos días previos a la Solemnidad de Nuestra Madre del Carmen y van llegado fotografías de los cultos en honor de sus Titulares en sus diferentes cofradías, desde la Orden del Carmen vemos la necesidad de llamar la atención sobre una serie de principios fundamentales que es necesario salvaguardar en pro de proteger y no perder la tradición carmelitana: 

Hábito y capa carmelitana: hemos visto en estos días algunas imágenes del Carmen ataviadas con manto rojo, marrón o celeste, y también a veces con el hábito y escapulario blancos. La iconografía del Carmen es inamovible, viste hábito y escapulario pardo, así como capa blanca. Ya está en buscar buenos juegos de diferentes tejidos, brocados, damascos o terciopelos para que tenga un buen ajuar durante el año. Es inaceptable vestir a la Madre del Carmen con los colores que al vestidor o cualquier otro le apetezca este año, para ello que se haga hermano de otra advocación que le permita usar todas las tonalidades posibles. Aquí no sirve hablar de otras imágenes del Carmen, de tradición italiana como la del Monte Carmelo, o de los iconos, que pueden llevar otras tonalidades, ya que en España e Hispanoamérica prevalece la rica tradición hispana del hábito de la Orden. El conjunto se denomina hábito y capa, no terno, término mal empleado, que es propio de la liturgia de la Iglesia referido a la casulla, dalmáticas y capa pluvial, y que ahora vemos aplicado erróneamente a las imágenes de la Virgen. 

Capa o manto: cuando se observa la riquísima iconografía del Carmen, vemos siempre que la Virgen viste capa, que se le puede llamar también manto, porque es de misericordia y nos ampara a todos. Dicha capa se ajusta al cuello, con sus respectivos broches. Las dimensiones pueden variar, más corta o larga como un manto de salida. No podemos olvidar que la Virgen viste el hábito de la Orden, es la Carmelita, Señora y Patrona del Carmelo. 

El cabello: al llevar capa, la Virgen luce su amplia cabellera sobre los hombros y espalda. Casi todas las pinturas muestran una imagen espléndida del cabello de la Virgen. Suele llevar mantilla en las imágenes de vestir, tal vez como recuerdo de tapar el cabello femenino, pero puede llevarlo igualmente sin verlo o mantilla, prevalece la tradición según los lugares. 

Correa, obediencia y rosario: Igualmente, siguiendo el hábito de la Orden, la Virgen no lleva cordones o cinturillas, sino correa con obediencia, esa prolongación que significa la obediencia de los religiosos al prior o priora, en este caso a la Priora por excelencia, la Santísima Virgen. Dicha correa, que puede ser de cuero, se transforma en terciopelo negro cuando va bordada, para los hábitos bordados o de gala. Si la obediencia va en un lado, en el otro, se dispone el rosario, engarzado en la correa, como los llevan los frailes y monjas, es un rosario de mayores dimensiones. A veces se le pone en las manos, que puede llevarlos, pero no olvidarse del obligatorio en la correa. 

Cetro y escapularios: lo porta en la mano derecha, cuando sostiene el Niño en la izquierda. El cetro, junto con la corona, símbolos de su realeza, como nueva reina Ester, es un elemento esencial en el Carmelo. El escapulario es el símbolo de la devoción carmelitana y puede ser bordado o de orfebrería.

Media luna: tradicionalmente a los pies de la Virgen, como la iconografía de la mujer apocalíptica. Es el toque concepcionista de una Orden que se posicionó en la defensa del dogma de la Inmaculada, teniendo a veces el detalle de poner las vueltas interiores de la capa blanca con un toque celeste, como vemos en algunas tallas. La ráfaga plateada o sobredorada acompaña también en esta iconografía apocalíptica. 

Todo esto, tal y como corresponde a la vestimenta de la iconografía del Carmen, que merece siempre el respeto de una devoción, probablemente la más extendida por todo el mundo, que es necesario salvaguardar de modas y gustos pasajeros. Como carmelita descalzo siento la necesidad, y así lo comentamos entre los religiosos y religiosas de la Orden, de defender nuestra tradición y quien tenga dudas se informe en la misma Orden, que es la que permitió la fundación de las cofradías en todo el mundo. 

En Sevilla a 12 de julio de 2022 

P. Juan Dobado Fernández, Carmelita Descalzo y Doctor en Historia del Arte.

Fuente: ArteSacro

EL SANTO CRISTO RECUPERA UNA ESTAMPA ANTIGUA

El Santo Cristo Amarrado a la Columna recupera para los cultos de cuaresma una estampa de principios del siglo XIX con la recuperación del lienzo pureza de 1861, realizado en tul con hojilla de plata, encajes y tachuelas del mismo material. La visión decimonónica de la talla se complementa con las potencias del siglo XIX y el cordón de la misma época. Se recupera así la imagen que pudo tener el Santo Cristo desde su hechura a mediados del siglo XVIII por el escultor antequerano Andrés de Carvajal y Campos hasta comienzos del siglo XX, cuando se prefirió mostrar el paño de pureza que tiene tallado en lugar del paño de tela.

La costumbre de revestir imágenes que se habían concebido con los vestidos también tallados se dio principalmente en el siglo XVIII, siendo muchas de ellas mutiladas para poderse llevar a cabo este revestimiento, como ocurrió con el Nazareno de la Hermandad de las Penas de Sevilla. En el caso del revestimiento del Santo Cristo se trató simplemente de una superposición, por lo que la talla permanecía intacta. Así sucedía con el Cristo de Burgos de Sevilla y sucede con el Señor de la Columna de Málaga o con el Atado a la Columna, también de Andrés de Carvajal, de Antequera.

El paño de pureza, también conocido como perizonium, linteus o lienzo de pureza, es una pieza de tela a modo de falda que se le coloca a Jesús para ocultar, por pudor, su desnudez. No se debe confundir con el sudario, que es el lienzo de tela con el que se descendió el cuerpo de Cristo de la cruz y se envolvió para su traslado al sepulcro, aunque algunos consideran que se trata de una misma cosa.

En los evangelios canónicos no se menciona, pero sí en los apócrifos, en el Evangelio de Nicodemo (10:1), donde, al narrarse la escena del expolio (cuando es despojado de sus vestidos –la túnica inconsútil que sí está reflejada en los canónicos– ), se dice: «Y Jesús salió del Pretorio y los dos ladrones con él. Y cuando llegó al lugar que se llama Gólgota, los soldados lo desnudaron de sus vestiduras y le ciñeron un lienzo, y pusieron sobre su cabeza una corona de espinas y colocaron una caña en sus manos. Y crucificaron igualmente a los dos ladrones a sus lados, Dimas a su derecha y Gestas a su izquierda». Fuera crucificado o no con el paño de pureza, la tradición cristiana ha representado siempre a Jesús con este paño ceñido a la cintura y así figura en nuestros pasos. Según la tradición, la verdadera reliquia del perizonium se conserva en la catedral de Aquisgrán.

La Hermandad de Paz y Caridad ha querido recuperar para la cuaresma de 2020 esta estampa del Santo Cristo que se puede contemplar en las fotografías antiguas y que, sin duda, muchos estepeños habrán visto por primera vez.

LA TÚNICA LISA O BORDADA DE LOS NAZARENOS

La Semana Santa atiende a valores que son sometidos a análisis continuos desde el punto de vista litúrgico, histórico y simbólico, y así las túnicas, las flores de los palios y de los misterios, el hábito de los nazarenos o las potencias y coronas de los Cristos han sido analizadas respecto estos valores que van más allá de las modas cambiantes.

Las túnicas de los Cristos tienen un valor simbólico que completan a la imagen, eleva sus valores plásticos y tiene un significado histórico. Existe un debate estético entre túnica lisa y bordada, pero desde el punto de vista litúrgico, histórico y simbólico es la túnica bordada la clara vencedora.

Ramón de la Campa, licenciado en Filología Clásica, afirma que el oro se utiliza para mostrar en las imágenes el carácter de divinidad de la figura a la que representa, por eso se aplica también en los retablos, los canastos de los pasos y en los estofados de las imágenes de talla completa, para dar el brillo de santidad y divinidad a las imágenes. Las túnicas bordadas se complementan con las potencias, pues se considera a ambos como atributos que glorifican y dignifican a la imagen, y la corona de espinas en el caso en el que la imagen se haya concebido con ella. Comparándose con las Dolorosas, nadie duda de que continúen procesionando tanto con bordados como con coronas. Las túnicas bordadas incorporan elementos simbólicos como las espinas que representan el sacrificio en la Calle de la Amargura, los cardos que representan la flor del mal o los acantos abiertos que suponen el camino hacia la salvación. La imagen pierde todo este simbolismo cuando se despoja de la túnica bordada rompiendo así con el mensaje.

Francisco Javier Segura Márquez, historiador del arte, asegura que el imaginero en su composición de la imagen tenía en cuenta que saldría con túnica bordada, por lo que realizaba la cabeza de mayor tamaño y el cuerpo más pequeño en determinados nazarenos, o ampliaba la separación entre la cabellera y el resto del cuerpo para colocar ahí la túnica.

En la Semana Santa de Sevilla destacan la túnica de la corona de espinas del Señor del Gran Poder, la de los acantos del Señor de Pasión, la de estos dos elementos del Nazareno del Valle o la de los cardos del Señor de la Sentencia.

Las imágenes de nazarenos portaban túnicas bordadas durante el siglo XIX y el primer tercio del siglo XX. Será a principios del siglo XX cuando la tendencia hacia la túnica lisa se invierte. En la Hermandad del Gran Poder de Sevilla fue donde se impuso la moda de la túnica lisa por primera vez. Antes no se valoraba tener una túnica bordada antigua y cuando el oro perdía su brillo se desechaba, al no contemplarse tanto la conservación, y se hacía otra nueva. En 1910 la Hermandad no podía sacar ninguna de las bordadas porque estaban en malas condiciones, por lo que encarga a Rodríguez Ojeda una túnica sobre un fondo de tisú de oro, pero el aspecto tornasolado no gustó y se pasó a terciopelo morado. El resultado seguía sin convencer a la Hermandad porque el bordado se veía menudo, a lo que el canónigo de la Catedral Muñoz y Pabón propuso a la Junta de Gobierno de la corporación que el Señor saliera con la túnica lisa y así parecer más humano. La decisión se somete al cabildo de oficiales que vota a favor de la propuesta a excepción del mayordomo y ese mismo año de 1910 el Señor procesionó con la túnica lisa, utilizándose las túnicas bordadas sólo en contadas ocasiones. Tras ese cambio se producirían en cascada los cambios en las túnicas de los nazarenos. Pasión, el Señor de la Salud de los Gitanos o el Nazareno de San Roque dejarían sus túnicas bordadas para procesionar con lisas. Las túnicas lisas se defendían como que daban al Nazareno mayor naturalidad y realismo e incluso mayor movimiento al caminar, pero a su vez al despojar a la imagen de la pieza bordada se rompía con el mensaje, la tradición, la historia y el sentido litúrgico con el que dotaba la pieza.

En los últimos años se ha vuelto de nuevo a considerar la túnica bordada para la salida procesional, de forma que este patrimonio no se queda guardado sin utilizarlo para lo que fue hecho. Otra vez sería la Hermandad del Gran Poder la que inicia este cambio cuando en 2008 la junta de gobierno que presidía Enrique Esquivias decide usar para la Madrugada de ese año la túnica conocida como de los cardos. San Roque, al año siguiente, decide que el Señor porte por cuatro años la túnica bordada de Fernández y Enríquez, y Pasión recupera la túnica de Patrocinio López para el Vía Crucis de la Fe y Semana Santa de 2013. Francisco Carrera Iglesias, bordador, opta por que se pueda alternar el uso de las túnicas bordadas con las lisas, y esa parece ser la tendencia por la que las hermandades optan para las salidas procesionales de sus titulares.

En la elección de la túnica lisa sobre la bordada no se puede tampoco obviar la reinvención a la que la Semana Santa recurrió tras los sucesos de la Guerra Civil. Las hermandades a partir de 1939 olvidaron los significados litúrgicos e históricos de la representación de la pasión, muerte y resurrección de Jesucristo, para decantarse por lo estético y las modas que terminaron por homogeneizar la Semana Santa. Andrés Luque Teruel, profesor de Historia del Arte de la Universidad de Sevilla, revela cuáles fueron los mayores cambios de las cofradías, algunos de ellos rompiendo el lenguaje iconográfico con sus inexactitudes.

En primer lugar menciona el color de la túnica. La Iglesia estableció unos usos litúrgicos de los colores después de las jornadas del Concilio de Trento, a mediados el siglo XVI. El valor simbólico de éstos fue ratificado en distintas ocasiones, la última, aún vigente, por Juan XXIII en 1960. Entre ellos se especifica que el blanco representa júbilo y alegría y se aplica en la Natividad, la celebración del cuerpo de Cristo (por eso el Jueves Santo los sacerdotes visten de blanco) y la Resurrección, y se advierte de modo claro que nunca debe utilizarse en la representación de la pasión y muerte de Cristo ni en cuaresma (que dura hasta el Miércoles Santo incluido). En el mismo texto se dice de modo preciso que el morado es el color de la pasión y muerte de Cristo y del tiempo de recogimiento y reflexión que supone la cuaresma. El texto de Juan XXIII establece dos excepciones en el uso de los colores. La primera es relativa al valor preeminente de los símbolos establecidos en el contexto originario del que proceden los argumentos de la celebración, en el caso de Cristo del mundo hebreo, en el que el color blanco estaba reservado a los enajenados mentales peligrosos, por lo que Herodes mandó vestir a Cristo de blanco para despreciarlo y que todo el mundo se apartara de él. Lo mismo puede decirse del Cristo de la Sagrada Cena, que puede ir de blanco según el uso litúrgico cristiano de la celebración del cuerpo de Cristo, o de cualquier otro según la tradición hebrea. La segunda excepción es la dispensa por un motivo concreto, caso de la Virgen de la Paz.

El exorno floral de los pasos de Cristo y de los palios también ha variado con el paso de los años. Las flores y las plantas simbolizan el camino hacia la vida eterna, de ahí su presencia en los pasos. Históricamente se pretendía recrear el camino de la Amargura y el monte Calvario, es decir un campo de piedras hechas de corcho o madera con flores naturales combinadas, mientras que los pasos de tribunal no llevaban flores. El uso de los montes de claveles rojos en los Cristos surgió en 1939 con un marcado carácter político al dibujar la bandera de España con los claveles rojos, el paso dorado y los faldones burdeos. De hecho, la combinación de lirios morados y faldones rojos, o a la inversa, no se permitía. Por su parte, el paso de palio iba adornado con claveles pero mezclados con otras flores y de manera irregular, no en piñas compactas. La intención era la de favorecer el espacio y no tapar la orfebrería. La tendencia actual es volver de nuevo a la imitación del monte Calvario y la combinación de flores diversas.

Los colores del hábito de los nazarenos eran tradicionalmente el blanco y el morado. El blanco por el desprecio que sufrió Cristo cuando Herodes lo tachó de enajenado mental; y el morado, color del condenado a muerte, tono de la penitencia. Los nazarenos adoptaron así los mismos hábitos que le pusieron al Señor. El negro tiene un sentido estético asociado al luto, pero las cofradías de negro eran históricamente de morado.

En Estepa, la Hermandad de Ntro. Padre Jesús Nazareno posee varias túnicas bordadas antiguas. Durante la primera mitad del siglo XX la imagen de Ntro. Padre Jesús Nazareno procesionaba con esta túnica bordada en su paso durante la mañana y la tarde del Viernes Santo. Será en la segunda mitad del siglo XX cuando la Semana Santa estepeña se adapte a los modelos sevillanos, tal y como se puede comprobar con el cambio de los tronos más al estilo antequerano por los pasos de costaleros al estilo sevillano. Este cambio de estilo también afectó a la túnica del Nazareno estepeño escogiéndose una túnica lisa para la salida procesional que le dotara de mayor movimiento en el caminar del paso y se ha mantenido así hasta nuestros días. Será en el año 2009 con motivo de la salida extraordinaria que aconteció en septiembre por el 250 aniversario de la hechura del Señor cuando la imagen volvió a salir en procesión con la túnica bordada de gran antigüedad. Con anterioridad la imagen también llevó una túnica bordada en la subida al Convento de las Clarisas el año 1995 y en el traslado por motivo de las obras de San Sebastián. La túnica ha sido recientemente usada también para el besamanos de Ntro. Padre Jesús Nazareno el 2 de enero. La Hermandad usa así las túnicas bordadas para las celebraciones y ocasiones extraordinarias mientras que es la túnica lisa la que porta el Señor cada Viernes Santo.

-Túnica de la Pasión: Decorada con los instrumentos pasionarios o Arma Christi, como las escaleras o la cruz y lienzos para el descendimiento. La parte inferior de la túnica representa unos espinos que se enredan como símbolo del sufrimiento y la pasión, pero consiguen florecer como símbolo de la vida. Como curiosidad, las flores representan a la flor de Estepa, indicando así la procedencia de la túnica. El Señor utilizó esta túnica bordada para la subida al Convento de las Clarisas de 1995 y el traslado por el cierre de San Sebastián durante las obras. También ha sido usada para el besamanos de enero y en los cultos cuaresmales.

Salida del Viernes Santo de principios del siglo XX

Subida al Convento de Santa Clara en 1995

Traslado por obras en San Sebastián

Besamanos de Enero

 -Túnica de las Flores: Esta túnica bordada del Señor es un auténtico alegato a la vida, representada por numerosas flores que constituyen un ramillete que crece en torno a la imagen del Nazareno estepeño. Entre las flores se encuentra la flor de Estepa. Era la túnica más habitual de la procesión del Viernes Santo de principios del siglo XX y el Señor la volvió a llevar durante la salida extraordinaria por el 250 aniversario de la hechura de la imagen que realizara el escultor Luis Salvador Carmona en 1759. También ha sido usada en el besamanos de enero y en los cultos cuaresmales.

Fotografía datada en el primera década del siglo XX. Fíjense que el Señor procesiona sobre un relieve de corcho o piedras que simula el Calvario en el antiguo paso de estilo neogótico y sin estar decorado con flores

Procesión extraordinaria por el 250 aniversario

-Túnica de estilo persa: El 30 de diciembre 2021 la hermandad presentó la túnica bordada realizada en el taller de Jesús Rosado y donada por un hermano a título póstumo. La nueva túnica sigue un diseño de estilo persa y destaca el detalle de un querubín en la delantera. El color elegido ha sido un morado claro, para diferenciarse de las otras dos túnicas bordadas que la imagen posee. 

-Paso de Ntro, Padre Jesús Nazareno exornado con monte de claveles rojos. En la primera imagen con túnica bordada y en la segunda con túnica lisa.

Artículos consultados:

-Las túnicas bordadas en los nazarenos. La moda que rompió la iconografía. Carlos Salas. Pasión en Sevilla. ABCdeSevilla, 2014

-La moda frente al rigor histórico y litúrgico. Juan Parejo. Diario de Sevilla. 2014

AZUL Y BLANCO. LA VIRGEN DE INMACULADA

La Inmaculada del Escorial. Murillo. Museo del Prado.

 El dogma de la Inmaculada Concepción o Purísima Concepción sostiene que María, madre de Jesús, a diferencia de todos los demás seres humanos, no fue alcanzada por el pecado original sino que, desde el primer instante de su concepción, estuvo libre de todo pecado. Al desarrollar la doctrina de la Inmaculada Concepción, la Iglesia Católica contempla la posición especial de María por ser madre de Cristo, y sostiene que Dios preservó a María de todo pecado y, aún más, libre de toda mancha o efecto del pecado original, que había de transmitirse a todos los hombres por ser descendientes de Adán y Eva, en atención a la que iba a ser la madre del Salvador. La doctrina reafirma con la expresión “Gratia Plena” (llena de gracia), contenida en el saludo del arcángel Gabriel (Lc. 1,28) durante la Anunciación y en la oración del Ave María, este aspecto de ser libre de pecado por la gracia de Dios.

Gran Cruz de la Orden de Carlos III

En el año 675 en el XI Concilio de Toledo el rey visigodo Wamba ya era titulado “Defensor de la Purísima Concepción de María”, abriendo una línea de fieles devotos entre los reyes hispanos. Monarcas como Fernando III el Santo (1201-1252), Jaime I el Conquistador (1208-1276), Jaime II de Aragón (1267-1327), el emperador Carlos I (1500-1558) o su hijo Felipe II (1527-1598) fueron fieles devotos de la Inmaculada y portaron su estandarte en sus campañas militares. El dogma fue cuestionado por los protestantes en el siglo XVII, por lo que fue fuertemente defendido por España. La fiesta de la Inmaculada fue fiesta de guardar en todo el Imperio español desde 1644, año en el que se proclama como patrona y protectora de España. El rey Carlos III (1716-1788) la declaró patrona de todos sus Reinos en 1761 y creó una orden en 1771 en su nombre, la Orden de Carlos III.

Era tan grande el amor por la Inmaculada, que las ciudades y villas juraron la defensa de la Purísima Concepción de María. En agosto de 1615 el cabildo de la villa de Écija hizo la promesa, voto y juramento de creer, enseñar y defender el Ministerio de la Concepción Inmaculada de María, y en septiembre la Hermandad del Silencio de Sevilla celebró un cabildo general en septiembre de 1615 para llevar a efecto el juramento de defender hasta “la última gota de sangre” el misterio de la Concepción Inmaculada de la Santísima Virgen desde el primer instante de su ser. Le siguieron Jerez de la Frontera en diciembre de ese mismo año, Marchena en 1616, Granada en 1618, Guadix en 1625, Puente Genil en 1650, Estepa en 1651 o Málaga en 1654. Muchas ciudades españolas la nombraron patrona como Castilleja de la Cuesta, Puente Genil, Herrera o Pruna, y también en otros estados católicos como Portugal, Filipinas o las Indias americanas.

Desde el siglo XIV existen en España referencias de cofradías creadas en honor a la Inmaculada. La más antigua, en Gerona, data de 1330. En el siglo XVI se revitalizará este fervor con un ingente número de cofradías constituidas bajo la advocación de la Pura y Limpia Concepción de María, hermandades consagradas a las labores caritativas y la asistencia social. El primer templo dedicado a la Inmaculada Concepción en España fue el del Monasterio de San Jerónimo de Granada, cuyas obras se iniciaron en 1519. La hermandad de Estepa dedicada a la Inmaculada Concepción se fundó en 1534 y el templo se bendijo en 1548.

Ermita de la Concepción de Estepa. Recreación de F. Díaz

Los franciscanos fueron muy fieles a la creencia en la Inmaculada, y contribuyeron a su arraigo y extensión por todo el mundo. En el siglo XV Beatriz de Silva fundó la Orden de la Inmaculada Concepción tras la aparición de la Virgen vestida de blanco y con manto azul durante su cautiverio por la reina Isabel de Portugal. En España encontró el apoyo de la reina Isabel la Católica, quien intercedió ante el Papa para que fuera aprobada en 1489 con la regla del císter. Tras la muerte de la fundadora la Orden fue integrada en la familia franciscana bajo la regla de las clarisas en 1494, pero manteniendo los colores azul y blanco en su hábito.

En 1617 por el breve de Paulo V se prohibió afirmar de manera pública que la Virgen fue concebida en pecado original. En 1622 Gregorio V y en 1662 Alejandro VII lo repitieron en sus decretos pontificios. Clemente XI declaró la Inmaculada Concepción en 1708 como fiesta de guardar en toda la Iglesia y Clemente XIII accedió a las peticiones de Carlos III sobre la Inmaculada Concepción en 1761.

El día 8 de diciembre es fiesta nacional en España en virtud de la victoria de los españoles en condiciones adversas en la Batalla de Empel del 8 de diciembre de 1585 durante la Guerra de los Ochenta Años contra los Países Bajos y su atribución a la intercesión de la Inmaculada Concepción. Por ello fue proclamada patrona de los Tercios españoles, actual Infantería Española, desde 1892. Es patrona también del Cuerpo Eclesiástico del Ejército y del Estado Mayor, del Cuerpo Jurídico, y de la Farmacia militar. Los Colegios Oficiales de Farmacéuticos y las Facultades de Farmacia también la tienen como patrona. Durante la celebración de dicha festividad, los sacerdotes españoles tienen el privilegio de vestir casulla azul; privilegio que fue otorgado por la Santa Sede en 1864.

El Papa Pío IX definió como Dogma de Fe esta verdad el 8 de Diciembre 1854, en la Bula Ineffabilis Deus. Desde entonces se celebra la Inmaculada Concepción de María el 8 de Diciembre. La definición del dogma contenida en esta bula dice lo siguiente:

“... Para honor de la santa e indivisa Trinidad, para gloria y ornamento de la Virgen Madre de Dios, para exaltación de la fe católica y acrecentamiento de la religión cristiana, con la autoridad de nuestro Señor Jesucristo, de los bienaventurados Apóstoles Pedro y Pablo y con la nuestra declaramos, proclamamos y definimos que la doctrina que sostiene que la beatísima Virgen María fue preservada inmune de toda mancha de la culpa original en el primer instante de su concepción por singular gracia y privilegio de Dios omnipotente, en atención a los méritos de Cristo Jesús Salvador del género humano, está revelada por Dios y debe ser por tanto firme y constantemente creída por todos los fieles”.

La iconografía de la Purísima o Inmaculada Concepción es una de las más complejas. Inicialmente se insistía en la función esencial de la Virgen en la genealogía de Cristo, representada en el árbol de Jesé, tema iconográfico que aparece en los siglos XI y XII, y se desarrolla en las portadas de las catedrales góticas francesas. También se utilizaba para ello la escena del casto encuentro entre San Joaquín y Santa Ana ante la Puerta Dorada de Jerusalén y la Santa Ana Triple (Santa Ana, madre de la Virgen, como trono de ésta, y ésta del Niño Jesús). Incluso una escena de más oculto simbolismo, como es la alegoría de la caza del unicornio, que ya había sido utilizada por San Isidoro de Sevilla para explicar la relación de Cristo con la Virgen María.

En la Edad Media, a finales del siglo XV, la Virgen Inmaculada se representaba enviada por Dios desde el cielo, descendiendo a la tierra. De pie, sobre la luna, coronada de estrellas, extendía los brazos o unía los brazos sobre el pecho. La fuente de esta representación estaba en el Cantar de los Cantares y en el Apocalipsis. En primer lugar, la Inmaculada está asimilada a la novia del Cantar de los Cantares, Tota pulchra, cuyas metáforas bíblicas fueron popularizadas por las Letanías lauretanas: el sol, la luna, la estrella del mar, el jardín cerrado, la fuente, el pozo de agua viva, el cedro del Líbano, el olivo, la rosa, el espejo sin mancha, la Torre de David, la Ciudad de Dios, la puerta del cielo. Otros atributos fueron tomados del Apocalipsis: la Virgen vestida de sol con la luna bajo los pies, representada en forma de creciente, evocando la castidad y la victoria de la Cruz sobre otras religiones.

La leyenda Tota pulchra, que remite directamente a los versos del Cantar de los Cantares (Tota pulchra es amica mea, et macula non est in te) se interpreta como la autoría de Dios en la creación de María. Mientras que los pintores firman sus obras faciebat, usando el imperfecto puesto que son verdaderamente obras imperfectas, Dios, por el contrario, firma con las palabras Tota pulchra, ya que lo que sale de su mano es perfecto.

La forma definitiva de la Inmaculada, que va a dominar a lo largo del siglo XVII, será la resultante de la conjunción del motivo Tota pulchra con el de la mujer vestida de sol del Apocalipsis. Se representa vestida con túnica blanca y manto azul, símbolos de pureza y eternidad respectivamente, coronada con doce estrellas, la media luna y una serpiente a los pies simbolizando su dominio sobre el pecado. El arte barroco del siglo XVII, por tanto, tiene el mérito de haber creado el tipo definitivo de la Inmaculada Concepción. Libre ya de todos los símbolos de las letanías, rodeada sólo por ángeles, sus pies aplastan la serpiente tentadora, para recordar su victoria sobre el pecado original. La iconografía de la Inmaculada iniciada por el maestro Francisco Pacheco, representándola a una edad juvenil, será continuada por Zurbarán, Ribera o Murillo.

Inmaculada del Palacio Arzobispal de Sevilla. Pacheco

Zurbarán. Museo del Prado

José de Ribera. 1630

Inmaculada Concepción de los Venerables o de Soult. Murillo. Museo del Prado. 1678.

Los colores usados en el manto y túnica de la Virgen son tradicionalmente el azul y el rojo respectivamente, aunque estos colores pueden variar. En algunas Madonnas se usa el rojo en el manto para señalar la Realeza de María y en otras el negro en manto y túnica para las escenas de la Pasión. Sin embargo, la Inmaculada Concepción se suele representar con túnica blanca como símbolo de la pureza y manto azul como símbolo de eternidad, aunque también existen la representación de la Inmaculada con manto azul y túnica roja.

Inmaculada. El Greco. 1608

La Inmaculada Concepción. Peter Paul Rubens. Museo del Prado.

La Inmaculada Concepción que representaron los pintores sevillanos en sus obras, de manto azul y túnica blanca, sirvió de inspiración para vestir a las imágenes dolorosas y de gloria de María en el siglo XX cuando se acercaba la festividad de la Inmaculada Concepción el 8 de diciembre. Esta costumbre se ha convertido en tradición en muchas hermandades que mantiene los colores inmaculistas para sus titulares en diciembre.

Inmaculada Concepción de Estepa

Virgen de los Dolores, vestida para la festividad de la Inmaculada Concepción

Artículos consultados:
-Ave Maria, Gratia Plena: Iconología e iconografía de la Inmaculada Concepción. J. G. Escobar Correa. Universidad Nacional de Colombia. 2012
-La Inmaculada Concepción en el arte español. Suzanne Stratton. Cuadernos de arte e iconografía. Tomo I-2. 1988. Revista virtual de la Fundación Universitaria Española.
-La iconografía de la Inmaculada Concepción en las parroquias sevillanas. M.J. Parejo Delgado. Sevilla, 2005.
-Iconografía de la Inmaculada en la escultura sevillana de los siglos XVI, XVII y XVIII. Revista digital para profesionales de la enseñanza. Enero 2010. Federación de Enseñanza de CC.OO de Andalucía.
-El dogma de la Inmaculada Concepción como arma de confrontación territorial en la Sevilla del siglo XVII. J. Domínguez Búrdalo y A. Sánchez Jiménez. 2010.
-El Dogma de la Inmaculada Concepción en Andalucía. Cofradías TV
-Iconografía del arte cristiano, Louis Réau. El Serbal, 2006.
-Iconografía de la Inmaculada. Pilar Álamo. Color y forma.
-Historia del dogma de la Inmaculada Concepción. Pascual Rambla. Franciscanos.org
-El Dogma de la Inmaculada Concepción. Rafaes
-Mater Inmaculata. La Inmaculada Concepción y Sevilla. Rafaes
-La Inmaculada y las cofradías hispalenses. Pasión en Sevilla.
-Sobre el nazareno de la espada del Silencio. EduTD. Cofrades. ABCdeSevilla.
-Real y Distinguida Orden Española de Carlos III. Wikipedia.
-La caza del unicornio. Wikipedia.
-Orden de la Inmaculada Concepción. Wikipedia.
-Los colores de la Inmaculada Concepción y la bandera de la patria argentina. Juan Pampero.
-Ermita y Hermandad de Nuestra Señora de la Concepción de Estepa. Devociones de Estepa
-Juramento de Estepa a la Inmaculada Concepción de Nuestra Señora. Devociones de Estepa
-La autoría de la Inmaculada Concepción de Estepa. Devociones de Estepa.

Especial "Vestidor":
-María, vestida según la liturgia. Devociones de Estepa, 2017
-La Virgen de hebrea, símbolo de la cuaresma. Devociones de Estepa. 2017
-La realeza de María. La Virgen de reina. Devociones de Estepa. 2017
-La Virgen de luto, recuerdo de los fieles difuntos. Devociones de Estepa. 2017
-Azul y blanco. La Virgen de Inmaculada. Devociones de Estepa. 2017
-La túnica lisa o bordada de los nazarenos. Devociones de Estepa. 2018

LA VIRGEN DE LUTO, RECUERDO DE LOS FIELES DIFUNTOS

El luto es una muestra de sentimiento interior profundo con el que los amigos y la familia despiden al fallecido. El símbolo del luto se ha alternado durante siglos y en diferentes culturas entre el negro y el blanco. La costumbre de llevar ropa negra sin adornos en señal de luto se remonta al menos al Imperio Romano, cuando la toga pulla hecha de lana de color oscuro se vestía durante los periodos de luto. Los judíos expresaban su dolor rasgándose las vestiduras en el templo cuando moría un familiar. Durante la época medieval el uso del negro se sustituyó por el blanco, costumbre que se mantiene aún en la cultura árabe y en muchos países asiáticos. Los Reyes Católicos impusieron en su reino el color negro en el luto a través de la “Pragmática Real”, costumbre que fue seguida por los países cristianos.

Durante el mes de los difuntos podemos ver en las iglesias a la Virgen María vestida de luto. El origen de la indumentaria mariana se relaciona con la devoción a los Dolores de la Virgen que fue promovida desde el siglo XIII por la Orden Servita. La Orden fue fundada en 1233 en Florencia para estar al servicio de los más necesitados y venerar los Siete Dolores de la Virgen María, entre ellos María en su Soledad ante la muerte y entierro de su Hijo. Fue un par de siglos más tarde, cuando Juan de Coudenberghe, cura de San Salvador de Brujas, fundó la primera cofradía de la Virgen de los Siete Dolores en Flandes. Precisamente por ello, será la pintura flamenca del siglo XV la que ofrezca los primeros ejemplos de la iconografía de los Dolores de la Virgen, representando en ellos a la Madre de Dios ataviada con ropas negras. Sin embargo, esta simbología no nace precisamente en el siglo XV, pues el medievalista francés, especialista en estudios sobre el color, Michel Pastoureau, sostiene que la representación de la Virgen con ropas negras por la muerte de Cristo era común ya en el arte paleocristiano.

Las pinturas flamencas con la Virgen vestida de luto llegaron pronto a los reinos españoles, ocupando las capillas de reyes y nobles. El postulado de las mismas marcó el panorama de las representaciones de esta iconografía a partir del siglo XVI, siendo cada vez más común la representación de la Virgen con ropas de luto. Algunos de los ejemplos más destacados son La Virgen mostrando al Varón de Dolores de Hans Hemling, pintada en 1480 y que se conserva en la Capilla Real de Granada; Nuestra Señora de los Dolores de Adriaen Isenbrant (con una interesantísima representación de los Siete Dolores de la Virgen); El llanto sobre Cristo Muerto de Durero, o el Descendimiento de Juan Correa de Vivar, estos tres últimos del siglo XVI. La iconografía sobre la Virgen con ropas de luto como señal del duelo y aflicción por la pasión y muerte de su Hijo se habían establecido, ahondando así en el contenido de la devoción a los Dolores de la Madre de Dios.

La Virgen mostrando al Varón de Dolores de Hans Hemling

Nuestra Señora de los Dolores de Adriaen Isenbrant

El llanto sobre Cristo Muerto de Durero

Descendimiento de Juan Correa de Vivar

En el siglo XVI la indumentaria mariana del luto se relacionó al canon de luto de viuda noble, impulsado por la reina Isabel de Valois, tercera esposa de Felipe II, y su camarera mayor, Dña. María de la Cueva, condesa viuda de Ureña. En 1560 Isabel de Valois llegó a España siendo aún una adolescente y trajo consigo un cuadro grande para su Capilla, representando a la Virgen sola, tras la sepultura del Señor. A petición de su marido cambió el confesor francés que había traído por un confesor español, y siguiendo la recomendación de la Condesa de Ureña escogió a Fray Diego de Valbuena, toledano perteneciente a la orden religiosa de los mínimos de San Francisco de Paula. Los reyes le ofrecieron al fraile un solar cerca de la Puerta del Sol, extramuros entonces de Madrid, donde levantar el Convento de la Victoria de los mínimos. Los frailes se interesaron por el cuadro francés de Dña Isabel para el altar mayor de la nueva inglesa, pero finalmente decidieron copiar la imagen en escultura, encargando a Gaspar Becerra esta labor. A la Condesa de Ureña , ya involucrada en el proyecto, se le ocurrió la idea de cubrir a la nueva Virgen de la Soledad con ropas idénticas a las que vestían las damas castellana al enviudar, y dio sus propios trajes para este menester.

Isabel de Valois

Doña María de la Cueva, condesa viuda de Ureña

Fray Antonio Ares en su “Discurso del Ilustre Origen y Grandes Excelencias de la Misteriosa Imagen de Nuestra Señora de la Soledad del Convento de la Victoria de Madrid” de 1640 recoge las siguientes palabras de la condesa en su donación: “este Misterio de la Soledad de la Virgen parece cosa de viudas, y si pudiese vestir como viuda de la manera en que yo ando me gustaría tener parte en esto y poder servir a Nuestra Señora con un vestido y tocas mías”.



En los siglos XVII y XVIII, la devoción a la Virgen de la Soledad se extendió por todo el imperio español, realizándose numerosas copias de la imagen de Gaspar Becerra en talla y lienzo, como la madrileña Virgen de la Paloma. Los frailes mínimos también extendieron esta devoción en sus conventos e iglesias, surgiendo cofradías y hermandades bajo la advocación de la Soledad. Con anterioridad a la Soledad madrileña se conocen dos hermandades que ostentaban el título de Soledad, una en Valladolid (Cofradía de las Angustias) y otra en Sevilla (Soledad de San Lorenzo). En los años 60 del siglo XVI la propagación de las cofradías de la Soledad aumenta especialmente en el entorno de Sevilla, donde las formas y maneras de la cofradía hispalense marcan un auténtico modelo para las cofradías soleanas.

Reglas de la Cofradía de la Soledad de Sevilla. 1555

La Virgen de la Soledad de Gaspar Becerra vestiría el denominado luto de la corte, es decir, el luto que vestían las damas de la alta nobleza al enviudar. Era costumbre ataviar a las imágenes de la Virgen con los mejores aderezos conocidos que solían coincidir con los usados por alta nobleza y la familia real. Así, la imagen se vestiría con las prendas de luto al modo en que lo hacían las grandes damas. Esta costumbre sigue las directrices dadas en 1530 por Juan Pardo de Tavera, arzobispo de Santiago de Compostela, sobre la forma de vestir a las imágenes, advirtiendo que prefería las tallas de bulto y, en caso de ser de vestir, debían aparecer arregladas de forma decente y honesta.

Las prendas de luto, al igual que el resto de ropas, estaban sujetas a las modas y así se observa al analizar la pintura civil de la época. Según avanza el siglo XVI, y más aún en el XVII, los retratos de las viudas nobles o dueñas presentan variaciones en la prenda más característica de su ajuar: las tocas o piezas de lienzo que enmarcaban la cara y cubrían parte del cuerpo de las viudas. Su aspecto cambió con el tiempo; así, en los retratos de mediados del siglo XVI, cubre el cuello y el inicio del busto, mientras que ya a partir de 1600 la toca se alarga hasta pasada la cintura. Será en la regencia de Mariana de Austria, segunda esposa de Felipe IV, cuando las grandes tocas blancas alcancen su máximo apogeo, llegando a cubrir casi la totalidad del cuerpo, aliviándose la sobriedad del traje con la costumbre de ceñirlas sobre el cuerpo, tal y como reflejan los retratos de la reina viuda. Esta indumentaria se compone del traje de tocas largas, así como de las prendas interiores, es decir, el verdugado y la falda interior o manteo, sobre la que se vestía el monjil formado por cuerpo y falda, las tocas y finalmente el manto.

Mariana de Austria obra de Juan Bautista Martínez del Mazo.

Museo del Greco

Las primeras prendas de la Virgen de la Soledad, por lo tanto, la acercarían a los modelos de la pintura flamenca y en el siglo XVII se adaptaría a los nuevos gustos barrocos, el luto de las viudas nobles. A la hora de ataviar a las representaciones marianas en actitud dolorosa y en soledad se seguiría este modelo, incluyendo ricas piezas o complementos de orfebrería, como la corona, diadema o ráfagas, y un corazón atravesado por un puñal o siete dagas, además de la estola.

En la actualidad la indumentaria primitiva ha llegado estilizada de las prendas originales, quizá con mayor sencillez en cuanto a los patrones y al número de piezas que forman el luto de viuda noble. La evolución estética ha desencadenado en otros patrones de una ejecución más sencilla, manteniéndose el verdugado, al que se ha sumado una saya o falda, las tocas, el rostrillo, la estola y el manto. Este sería el “modelo castellano” en la indumentaria mariana del luto que tendría su origen en el modelo flamenco de representar la Mater Dolorosa y se adaptaría al modelo de viuda noble a partir del siglo XVI. En ciudades castellanas como Toledo se mantiene esta tendencia a la hora de vestir a las imágenes dolorosas, con más de 400 años de tradición:

Virgen de la Soledad. Parroquia Santa Justa y Rufina. Toledo.

La Soledad. Los Yébenes

La Soledad. Fuensalida

En la segunda mitad del siglo XX, surgió en Sevilla una nueva tendencia de vestir a la Virgen María de luto durante el mes de Noviembre en recuerdo de los fieles difuntos. Esta tendencia siguió el modelo que realizaba Juan Manuel Rodríguez Ojeda en hermandades como La Macarena o La Hiniesta a principios del siglo XX. La Sevilla cofrade recuerda la primera vez que la Esperanza Macarena vistió de luto por la muerte de Joselito el Gallo en 1920. El “modelo sevillano o andaluz” evolucionó con los hermanos Garduño, José Asián y Antonio Fernández Rodríguez con los característicos encajes en torno al rostro de las dolorosas sevillanas y andaluzas.

Esperanza Macarena. Luto por la muerte de Joselito El Gallo

La tradición castellana de más de 400 años y la tradición sevillana del siglo XX pueden convivir ambas para vestir a la Virgen María de luto en el mes de los Fieles Difuntos en Noviembre y también por el fallecimiento de un miembro destacado de la hermandad, convirtiéndose en un gesto de sobriedad y recogimiento hacia todos los hermanos que nos han precedido y duermen ya el sueño de la Paz.

Fuente:
-La Virgen de luto, indumentaria de las dolorosas castellanas. Eduardo Fernández Merino. Visión Libros. 2013. Libro en Google Play
-Origen de las vestimentas marianas. La Alacena de las Ideas.
-¿Por qué nos vestimos de negro en el luto? V.R.A. ABC
-El dolor de la Dama más alta. L. Miranda. ABC
-La Condesa de Ureña y la iconografía de la Virgen de la Soledad de los frailes mínimos. J.L. Romero Torres. Cuaderno de los amigos de los museos de Osuna. 2012
-El traje de la condesa viuda de Ureña: realidad y mito en el origen de la imagen de la Soledad de la Victoria. J. Prieto. La Hornacina
-La Iglesia de la Victoria y la Hermandad de la Soledad. Devociones de Estepa
-Días de Luto. Devociones de Estepa
-Cuando la Macarena vistió de luto. J. León. El Palquillo
-El por qué de vestir a las dolorosas de luto en noviembre. Estepa Cofrade
-Origen y evolución en el arreglo de las imágenes de la Virgen. D.J. Varea Fernández. De Ramos a Pascua.
-Nuestra Señora, la Virgen viste de luto en noviembre. Rafaes

-La mujer que inspiró el atuendo de las Dolorosas. Puente Mayor, A. El Correo de Andalucía, 2026

Especial "Vestidor":
-María, vestida según la liturgia. Devociones de Estepa, 2017
-La Virgen de hebrea, símbolo de la cuaresma. Devociones de Estepa. 2017
-La realeza de María. La Virgen de reina. Devociones de Estepa. 2017
-La Virgen de luto, recuerdo de los fieles difuntos. Devociones de Estepa. 2017
-Azul y blanco. La Virgen de Inmaculada. Devociones de Estepa. 2017
-La túnica lisa o bordada de los nazarenos. Devociones de Estepa. 2018